Alejados del triunfalismo aliado, en especial del norteamericano, debe ser difícil contar la II Guerra Mundial desde el lado alemán. Aplíquese este axioma al cine y viaje por la historia del cine germano. Vergüenza, secuelas, dolor, muerte, soledad, destrucción. En La lección de alemán (Deutsch Stunde) es difícil no sentir compasión. Pero el cine alemán lo vuelve a hacer:  Hurgar en sus heridas, aplicarles agua salada y mostrarlas al mundo escocidas, pero como magníficas películas. Odas al cine como esta cinta de 2019 dirigida por Christian Schwochow. 

Estamos ante la adaptación literaria de una novela homónima, un best seller de 1968 del escritor Siegfried Lenz publicado en España por Impedimenta.

Sinopsis.

Tras la II Guerra Mundial, Siggi Jepsen es internado en una institución para educar a los jóvenes difíciles, extraños. La Alemania derrotada tiene que lidiar con cientos de miles de personas con secuelas, no sólo físicas, sino mentales.

Dentro del internado, Siggi debería escribir un ensayo sobre "Los placeres del deber", pero no tiene ni idea de cómo hacerlo. Será maltratado por ello y, finalmente, aislado en una celda con un cuaderno en blanco. 

Desde ese encierro en su celda acuden a él los recuerdos de su infancia: su padre, Jens Ole Jepsen (Ulrich Noethen), un oficial de policía veterano durante los tiempos del III Reich, recibió el encargo de vigilar al pintor expresionista Ludwig Nansen, interpretado por Tobías Moretti, a quien recordaréis de Rex, la serie del perro.

Siggi tengrá que elegir entre un padre al que detesta y un pintor del que está fascinado. Contraponiendo 2 mundos, dos visiones de la vida y dos bandos de una contienda que ya sabemos todos cómo acabó.

Opinión personal sobre La lección de alemán.

Toda la película es  un documento gráfico lleno de dolor. La lección de alemán no es sólo la historia de una represión sobre el mundo artístico. Es la historia del final de una época, de los coletazos de la desesperación, de la rabia contenida por parte de todos. 

Pero también es un homenaje de la Alemania derrotada a todos los que supieron perder, a quienes fueron cómplices y a quienes vivieron en silencio con los cómplices o atenazados por el miedo a la brutal represión.

En Ludwig Nansen se rinde homenaje a todos esos artistas maltratados, represaliados o asesinados por el régimen nazi. En muchos casos confluyen la persecución por su dedicación al arte y por la orientación sexual. Y la posición de la sociedad alemana del III Reich queda muy bien representada en La lección de alemán.

Pese a ser una película de retaguardia, los momentos llenos de tensión son enormes. y creo que es una de esas películas que merecen ser vistas con atención. Hay detalles que traspasan el primer plano, segundos planos de pinturas, imágenes, rostros de espectadores de las escenas que acaban por dotar de un realismo.

Hay tanto simbolismo en todas y cada una de las escenas que uno no puede más que enamorarse de la crudeza de esta película. Sentir compasión por Siggi y lástima ante tanta violencia, no sólo física.

La fotografía de La lección de alemán es otro de los puntos fuertes de la cinta.. Certera, adecuada para cada momento. Este es uno de los rasgos del buen cine alemán de los últimos años.

La confrontación padres hijos se hace más patente al mezclarse con el factor bélico. A nadie se le escapa que este es un tema muy manido a lo largo de la Historia del cine, pero con el cóctel adecuado de elementos logra tener una potencia artística digna de mención. Y lo logra enfrentando al pequeño Seggi a un dilema, escoger entre la amistad y su padre.

Aunque no estamos ante una de las grandes películas de la historia del cine, sí recomiendo su visionado. Los motivos morales, la fotografía, la trama y el ritmo hacen de ella una película recomendable. La tenéis (julio de 2021) en Movistar y Amazon. Valoración: 7.2.

Buenas noches y buena suerte.

Continue Reading

Mucho se ha escrito sobre “La dolce vita” desde que se estrenó en 1960. Lejos de pretender redescubrir esta emblemática película italiana hoy os traemos un repaso por una serie de escenas claves, y magníficas, que hacen de esta cinta un imprescindible en la vida de cualquiera que ame el cine, como nosotros. Un must see que dirían los ingleses. Muchos de vosotros abandonaréis esta entrada por no haber visto la película, en tal caso os animo a hacerlo y a que guardéis en un mail, en vuestro pocket, en el flipboard, en el botón de favoritos o a través de cualquiera de esos cajones de sastre en los que confiamos nuestras lecturas faltos de tiempo en esta vida inútilmente ajetreada.

“La dolce vita”, dirigida por el universal Federico Fellini, con guión escrito por él mismo, junto con Tullio Pinelli, Ennio Flaiano y Brunello Rondi, fue protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Alain Cuny, Nadia Gray, Annibale Ninchi, Margali Noel, Lex Barker, Jacques Sernas y Adriano Celentano entre otros. Han transcurrido 55 años desde su estreno, y, sin embargo, la historia no pierde vigencia. Trata la vida desordenada de un periodista del corazón, Marcello, introducido en círculos influyentes y de alto copete de la alta sociedad romana de los 60. Marcello trasnocha a la caza de noticias, tapando sus miserias personales y familiares a través de fiestas con lo más variopinto de la sociedad.

Leíamos no hace mucho de la intención de alguna productora ávida de recaudaciones fáciles de preparar un remake de “La dolce vita”. Como no tenemos la fuerza moral, ni el poder para evitarlo, les vamos a sugerir que al menos respeten la esencia de esta auténtica obra de arte. Es normal, en vista de otros remakes, temerse lo peor. Lleno de momentos emblemáticos en la historia del cine, la selección que os hemos preparado, y que contiene spoilers, para que nadie se queje después, pasa por estos 10 momentos, que, para servidor, convierten a “La dolce vita” en una de las películas imprescindibles y más grandes de la Historia del Cine:

1. La aparición de Marcello y Maddalena en casa de la prostituta tras huir de la prensa rosa. Que dos amantes paguen a una prostituta por ocupar la habitación de su piso en las afueras de Roma no deja de tener su gracia. Máxime cuando la prostituta queda totalmente al margen del juego de los amantes, para disgusto del chulo.
2. La impactante llegada de Sylvia Hank al aeropuerto. Con los reporteros de la prensa rosa empujándose entre ellos, alguien ofrece a Sylvia una porción de pizza que la musa del momento, la bella Anita Ekberg prueba coqueteando con las cámaras y los flashes. El productor disfruta encantado de la llegada de la rubia más impactante que va a frecuentar Roma en esos días.
3. Otro de los momentos de lucimiento personal de Sylvia es, sin duda, la continuación del juego de la actriz con la prensa durante su conferencia de prensa. Mientras Marcello llama a su casa, Robby aparece en la rueda de prensa completamente borracho. El brillo desenfrenado de la bella Sylvia prosigue en su subida a la cúpula del Vaticano. Un canto al esplendor de la belleza de Anita Ekberg. A la juventud, a la belleza. El juego de planos en la escalinata y cómo su sombrero vuela en lo alto con la plaza de San Pedro al fondo.
4. La fiesta de esa noche es otro de los momentos cumbre del cine. Pero si he de escoger un momento en toda la fiesta, este es, sin duda, la llegada de Frankie al evento. Un Frankie, retrato del vividor, que pide “Caracas” y desata un auténtico desenfreno colectivo. Seguido, a posteriori, por el rock&roll con baile y el enfado posterior de Robby. En este punto, y como cantan los Sidonie, el sinvergüenza Mastroianni cae rendido a los encantos de Sylvia. Huyen alocadamente y Fellini nos regala, en este punto, varios de los momentos culmen del cine de todos los tiempos. Marcello entrega sus armas en inglés “Sylvia, I never find a woman like you” con aullido de un perro y sin respuesta posterior por parte de Sylvia. Tras un recorrido en coche por Roma se apean del vehículo para que acontezca la mágica aparición de Sylvia y el gatito en la Fontana di Trevi. Una de las escenas más famosas de la historia del cine. “Marcello, come here. Hurry up”. Como en lo más alto del deseo de Marcello la fuente se apaga. Cuando Sylvia llega al hotel se produce el sonoro bofetón de Mr. Robert. Y el posterior encuentro de este con Marcello. Como en la vida real, en todo triángulo amoroso siempre hay un triunfador y un perdedor.
5. La escena bajo la lluvia en la que los niños iluminados corren a ver la supuesta aparición de la Virgen entre el histerismo de curiosos. Paparazzo, otro de los regalos que hizo Fellini a la historia del Cine, haciendo fotos como un loco y  la pelea por llevarse una rama del árbol en el que se manifiesta la madre de Dios. Un símil del histerismo religioso y una crítica velada hacia la fanática devoción de la Italia de esa época. En medio del caos Marcello busca a una Emma al borde de un ataque de nervios.
6. La visita al cabaret de Marcello y su padre. Para mí uno de los momentos más deliciosos de la película. El payaso que toca la trompeta y mueve los globos. La fanfarronería del padre de Marcello y la vedette coqueteando con él mientras deja en evidencia a su hijo. El desencuentro de padre e hijo y los lamentos del segundo por no conocer al primero, desnudan al canalla Marcello ante una infancia difícil.
7. La fiesta en el castillo del prometido de la bella sueca. Con gente tan estrafalaria como el tercer hijo “que no pinta lo más mínimo”, la abuela o Federica “la loba”, a quien le encanta amamantar niños. La aparición de Maddalena y su juego con el pobre Marcello, a quien le devuelve su juego anterior, y la posterior sesión de espiritismo. El mayor contraste de este momento de la historia se produce durante el amanecer, con la princesa madre yendo a misa mientras vuelven de la fiesta los vividores. Fellini enfrenta lo nuevo y lo viejo, los jóvenes con sus progenitores, las costumbres religiosas frente a la orgía desmedida y la fiesta sin control. Las dos Italias, los dos mundos de los 60.
8. Tras ella, acaece otra de mis escenas favoritas, por el entorno, por la ambientación, por la fotografía y, sobretodo por los diálogos. La escena de Emma y Marcello en la carretera con la luz de los focos de fondo “Eres un gusano, un miserable, acabarás solo como un perro.” “Qué va a ser de tu vida”. “Esto no es amor, es basura”. Un diálogo durísimo y fortísimo del que Emma se despide con un “Tú sabes mucho de putas”.
9. La llegada de la mujer de Steiner a su casa. Marcello desolado mientras el comisario intenta explicar a la señora la situación entre una nube de unos paparazzis que son totalmente ajenos ante la trajedia que acaba de suceder. Sin duda, una crítica al precio de la fama, a la insensibilidad al dolor de la prensa del corazón. Y Marcello otra vez desnudo, entre dos mundos, su trabajo y su amistad con Steiner. Su sensación de no comprender muy bien a qué dedica su vida.
10. El último de los diez momentos clave es, sin lugar a dudas, la fiesta de separación de Nadia. La recién divorciada organiza una fiesta que desemboca en una orgía con desnudos, borracheras, provocaciones, insinuaciones, que culminan con el striptease de la propia Nadia. La fiesta termina con la llegada de Ricardo, el dueño de la casa, al grito de “Hijos de la gran puta”. El discurso de Marcello borracho. La cabalgata sobre Lucía a palmadas mientras le pone plumas como si fuera una gallina. La sensación de que todo vuelve al punto de partida aunque no todo vaya a volver a ser como antes. El amanecer final mientras aparece en las redes del mar una ballena en una playa casi desértica. Un final apoteósico y fantástico para una de las películas favoritas de quien os escribe.

Por cierto, su banda sonora, a cargo de Nino Rota, también es digna de mención. Si tuviéramos que escoger un elemento más, el 10+1 de los puntos enumerados, sería sin duda esa hermosa y pegadiza melodía que acompaña a Marcello a lo largo de la película.

He tratado de resumir en 10 breves puntos la grandeza de una película que sobrepasa, de largo, este humilde resumen. Como todo el arte, lo mejor es que pongáis vuestros sentidos al servicio de la obra. Que os dejéis llevar, que os dejéis encantar por Marcello, Sylvia, Emma y todos los personajes de esa fauna dirigida y filmada por uno de los directores más grandes de todos los tiempos:  Federico Fellini. Una visión del mundillo y de la realidad a través de los ojos de el observador privilegiado que es Marcello. Si no la habéis visto, ya estáis tardando, si la habéis visto, volved a verla, descubrid estos 10 momentos únicos y otras decenas de ellos. Gozad con “La dolce vita”. Valoración: 8,8.

Buenas noches y buena suerte.

Continue Reading

Con frecuencia, el mundo del fútbol se llena de épica, de retórica, de supersticiones y de estadísticas vacías que se rompen en los primeros compases de lo que verdaderamente es la esencia de este deporte: 90 minutos, once contra once. Sin embargo, hay personajes que superan a los tiempos y a las modas. Personajes que, por mucho que lleguen otros mejores, o peores, no logran ser olvidados y permanecen en el imaginario colectivo.

España es un país más acostumbrado a olvidar ídolos, a pasar por encima de las leyendas reconvertidas en directores deportivos, entrenadores o en meros comentaristas. Pero en la Premier League se venera a las víctimas de aquel trágico accidente aéreo que sesgó la vida de los héroes de Manchester, se profesan cánticos hacia entrenadores y jugadores que concurrieron con los colores locales aunque ahora regresen como rivales, y los padres enseñan a sus hijos la Historia de su Club. El fútbol es más hooligan pero es más educado.

The Damned United (Reino Unido, 2009) bien podría entrar en esta suerte de homenaje a la Historia del fútbol. Es una película distinta, una cinta maravillosa que ha pasado a estar entre las películas de culto de millones de aficionados al fútbol. Dirigida por Tom Hooper, la película es una adaptación de la novela homónima de David Peace con guión de Peter Morgan. El reparto lo componen: Michael Sheen, Timothy Spall, Colm Meaney, Jim Broadbent, Joe Dempsie, Stephen Graham, Maurice Roëves, John Savage, Keiran Waite.

La leyenda negra de de Don Revie al frente del Leeds United es tan cierta como que sigue vigente. El laureado entrenador abandonó su cargo para ser seleccionador nacional de Inglaterra. El fútbol que practicaba su equipo era poco deportivo y muy resultadista. Su sustituto fue Brian Clough, rival acérrimo de Revie, cuyos equipos anteriores, Hartlepool y Derby Country, practicaban un fútbol totalmente opuesto. Clough había logrado, con la colaboración de su ayudante Peter Taylor, éxitos sorprendentes con estos humildes equipos. Aceptar el trabajo del Leeds sin Taylor a su lado, con un vestuario formado con los chicos de Don, no parecía una tarea fácil.

Como se ha comentado, es una película que retrata el mundo del fútbol, sus cíclicas polémicas entre entrenadores, estilos de juego, los egos, las discusiones entre directivos y entrenadores, así como los problemas de los vestuarios. Michael Sheen, Timothy Spall y Colm Meaney realizan papeles soberbios. Y los 97 minutos que dura la película es un auténtico homenaje al fútbol inglés.

Estamos ante otra gran producción de la BBC, y ya son unas cuantas en los últimos años, un sello de calidad del que otros deberían copiar. La historia de Brian Clough, uno de los mejores, sino el mejor, entrenador de la historia del fútbol inglés, queda retratada con sus miserias y sus grandezas. Michael Sheen se luce en uno de los papeles de su vida, y su carrera es larga. Hacía tiempo que no me sucedía, pero estoy deseando volver a ver esta película. No es una cinta que haya pasado a la posteridad por grandes alardes cinematográficos ni por críticas excesivas pero cosecha un meritorio 7.6 en imdb y un 6.9 en filmaffinity. Nosotros, más espléndidos, creemos que merece un 8.

Buenas noches y buena suerte.

Continue Reading

Dentro de la nueva sección cinéfila “videoclub”, surgen dos etiquetas más para entradas como la de hoy: Clásicos y Clásicos del cine bélico. Hoy la vamos a estrenar con una película británica que ni es bélica del todo ni es colonial del todo. Cañones en Batasi (Guns at Batasi, UK, 1964) fue dirigida por John Guillermin y es una adaptación de la novela de Robert Holles que corrió a cargo de Leo Marks y Marshall Pugh. En el reparto contó con Richard Attenborough, Jack Hawkins, Flora Robson, John Leyton, Mia Farrow, Cecil Parker, Errol John, Graham Stark, Earl Cameron, etc. La música, elemento importante en toda película sobre militares que se precie, la compuso John Addison y el responsable de la fotografía fue Douglas Slocombe (B&W).

Trama (posible spoiler): El veterano Sargento Mayor Laudardale (Richard Attenborough) es un oficial inglés con una larga trayectoria y un respeto ganado. Es rígido y estricto consigo mismo y con los demás. Cuando se le destina a un país africano en periodo de descolonización, aunque aparentemente tranquilo, una serie de trágicas circunstancias pondrán a prueba sus principios morales y su respeto por el código militar. Tendrá que luchar contra una revuelta, el paso de los tiempos en el ejército, una parlamentaria feminista (Encarnada por Flora Robson) y contra todo el aparato diplomático británico.

No estamos ante una película 100% bélica, pero sí ante una historia de militares y moral. Cargada de flema británica, como no podía ser de otra manera, hace convivir elementos del antiguo Imperio con elementos de la segunda mitad del siglo pasado: jovencitas en el cuartel (Mia Farrow hace una extraña aparición en esta historia), naciones africanas viviendo revueltas, feministas que intentan imponer el mando en un cuartel militar… Todo un homenaje a los cambios y a los militares de toda la vida.

Para mí es una película que, aunque podría pasar sin pena ni gloria, es interesante y entretenida. Con elementos comunes con las grandes películas del cine bélico: un mando "dictatorial”, tertulias animadas y divertidas entre oficiales, escarceos entre los soldados, un inicio rápido y divertido, una música rápida, pegadiza y de corte marcial, y un final con vencedores y vencidos. Un clásico del cine en blanco y negro para aquellos a los que os guste el género.

Buenas noches y buena suerte.

Continue Reading

La cinta blanca (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte, The White Ribbon4), Alemania, 2009, 147 minutos, fue escrita y dirigida por Michael Haneke. El reparto estuvo compuesto por Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Burghart Klaußner, Josef Bierbichler, Steffi Kühnert, Michael Schenk, Janina Fautz, Michael Kranz, Marisa Growaldt. La música corrió a cargo de Christian Berger (B&W).
En un pueblo de la Alemania de 1913, con señor casi feudal, una fuerte moral, y unos campesinos que se debaten entre el odio, la culpabilidad y la lucha entre clases. Ese verano los acontecimientos se precipitan: una serie de accidentes misteriosos harán que el pueblo cambie para siempre.
La historia es narrada por el maestro, un personaje foráneo que pronto comenzará a cambiar su inocencia por sospechas y suspicacias hacia sus convecinos. Su relación con la joven niñera del señor, marcada por el puritanismo y el recelo del padre, sus desavenencias con el pastor y la investigación de los misteriosos acontecimientos  le harán abrir los ojos ante la sociedad en la que vive.
La cinta blanca es una orgía cinematográfica en cuanto a fotografía, dirección e interpretación se refiere. La fotografía, en blanco y negro, es nítida y casi perfecta, juega con la luz del verano y con las sombras de los interiores. La dirección es magistral, los tiempos, los enfoques, la paz que transmiten algunas escenas, el desasosiego de otras. A eso hay que sumarle la interpretación de todos los personajes, con la dificultad que entraña manejar a tanto niño.
La historia entraña una crítica despiadada de la Alemania de la I Guerra Mundial, pero sobretodo, el germen del nazismo. La férrea moral, la rectitud, el castigo, la eugenesia, el puritanismo, el miedo a un señor que impone sus normas sin discutir, la fe inquebrantable en el terror y en los que mandan; y todo ello en niños que llegado el 39 serían adultos.
Me habían hablado maravillas de esta película alemana y no me defraudó, pese a sus momentos pausados la trama mantiene enganchada a la audiencia y la película hace reflexionar sobre la leve frontera entre los valores y el fanatismo en los jóvenes, y en los no tan jóvenes. No es una película para todos los públicos pero que sí debería ser vista por la gran mayoría de adultos. Para reflexionar mucho. Valoración: 7.5.
Buenas noches y buena suerte.

Continue Reading